JE VAIS BIEN, NE T´EN FAIS PAS - philippe loiret (2006)
Basada en la novela homónima del escritor Olivier Adam, Philippe Lioret, director que viene dando que hablar en la última década por su magnífico trazo en historias dramáticas cotidianas, consigue con "Je Vais Bien, Ne t'en Fais Pas" un resultado realmente notable a la hora de trasladar el dolor que una ausencia puede llegar a provocar en una familia común. Con sobriedad, con sutileza, narrando el día a día estas personas que luchan contra el dolor provocado por la perdida de un hijo y hermano, Lioret crea una trama a la que no faltarán giros magníficamente llevados. De igual modo el director francés nos sobrecogerá con unos personajes en los que las falsas caretas y las mentiras bientencionadas se llevan hasta tal punto que solo el dolor más extremo podrá servir de excusa ante ellas. Y si alguien es culpable de que toda esta historia funcione de manera tan orgánica esa no es otra que la sobresaliente Mélanie Laurent, actriz a la que ya se ha podido ver dando el salto al cine americano en Malditos Bastardos, o en la genial obra maestra de Mike Mills, Begginers, y que aquí, en su primer gran éxito, se come la pantalla con esa extraña belleza de melancólica sonrisa que nos embauca dentro de una interpretación desgarradora de principio a fin. Con el broche final del tema central de la banda sonora "U Turn (Lili)", una pieza sobrecogedora que su hermano escribe en el film a la propia Claire (M.Laurent), se culmina una pequeña película francesa de esas que descubres casi por casualidad, y que en una de estas te arreglan (o no, según se mire) la noche.
Gus Van Sant es uno de esos directores con la habilidad de hacer en cada momento lo que le da la gana dejando casi siempre contento al público al que dirige sus obras, a la vez que irritando hasta el extremo al que no. Paranoid Park se encontraría más cercana de su filmografía destinada al público minoritario, si bien no es esta de la más extrema en lo que a experimentos, ya sean de guión o en cuánto a lenguaje cinematográfico, se refiere. Encuadrada en un terreno intermedio quizás, este paranoide (nunca mejor dicho) film noir de genuino envoltorio nos cuenta la historia de un homicidio en el que un joven skater llamado Alex se ve involucrado. Paradójicamente no sabemos muy bien si fruto de la casualidad, o debido precisamente al entorno y el contexto de su protagonista, pero lo cierto es que la soledad de éste y su relación, solitaria claro, con su tabla de skate, tendrán un desarrollo fatal para un pobre adolescente que como tantos otros no tiene el ambiente que desearía. Realizada a continuación de lo que se llamó "La trilogía de la muerte" ("Gerry", "Elephant", "Last Days"), lo cierto es que la película de Van Sant no está muy alejada en cuanto a discurso de estas, y pese a una mayor convencionalidad, no faltan aquí tampoco los juegos con el tiempo narrativo, así como la introducción de elementos underground forma de bellas tomas en Super 8 grabadas en torno a los Skate Park. Soledad y muerte son también aquí los temas dispuestos, y de igual modo el dominio de lo visual (con la magnífica fotografía de Christopher Doyle) y del sonido no expresado en palabras, hacen que el film se acerque más a los postulados de la mencionada trilogía. Está sin embargo esta vez todo ello acompañado de música que correrá a cargo, bien de habituales del cine clásico como las adaptaciones de piezas de Nino Rota, o bien de artistas de la cultura popular como el folk de Cast King, el pop de Billy Swan, el hardcore de The Revolts, y por supuesto las canciones de Elliott Smith, representado aquí por "The White Lady Loves You More" y por la sublime "Angeles". Una buena película para meternos en la piel de un adolescente solitario y perdido que como siempre gustará más de lo debido una parte de los espectadores, y que irritará también en exceso a la otra. Como suele decirse, ni tanto ni tan poco.
Winter´s Bone es una intriga sobre "quinquis" norteamericanos sin adornos ni concesiones. Así sin más. En un ambiente rural del medio oeste estadounidense, en un sitio en ninguna parte, se suceden las búsquedas de su protagonista, una joven de 17 años al cuidado de una madre tarada y de sus dos hermanos pequeños, de alguna pista sobre el paradero de su padre. Rodeada de gente de de baja estofa que sobreviven fabricando metanfetamina, cultivando marihuana, o ajustando deudas con otras familias dentro de unos lazos sanguíneos más que difusos, el glamour del traficante o el ladrón del cine hollywodiense aquí no hace aparición en ningún momento. Las camisas de cuadro se llevan para resguardarse del frío y no por moda, como los gorros de lana y las orejeras, o los sombreros de vaquero. Las casas medio de hojalata en medio del bosque son el resguardo habitual, y las ardillas cazadas a punta de escopeta son la mayoría de veces el menú diario. Es decir, Winter´s Bone se sitúa en la norteamérica menos apetecible, allí donde el sol no parece existir, y donde la humedad y la miseria trepa por las paredes. Con una fotografía tan gélida que hiere, la directora Debra Granik nos mete de lleno en la piel de esa niña que lucha por encontrar a su padre, no por amor hacia él, si no porque vivo o muerto es el único que puede evitar que les quiten lo poco que tienen. Un guión, sin concesiones a la sensiblería, llena de personajes despreciables, y que se mantiene en vilo hasta el final sin que en realidad esté pasando gran cosa, es la mejor prueba de que el buen cine a veces emerge simplemente con una buena dosis de honestidad y realismo.
THE GIRLFRIEND EXPERIENCE - steven soderbergh (2009)
Se suele decir al hablar de Steven Soderbergh que se divierte filmando éxitos de taquilla para poder financiarse sus caprichosos y pequeños fracasos comerciales. Con más de una veintena de películas en apenas veintipocos años de carrera, es Soderbergh uno de esos directores prolíficos a los que siempre tendré en cuenta cuando presente película debido a ese grado de riesgo al que nunca ha renunciado pese a los dolares de Hollywood. En "The Girlfriend Experience" volvía tras presentar su mastodóntico proyecto "Che", y lo hizo con una nueva película de bajo presupuesto, y sobre todo de temática y estilo alejados del cine comercial. Relatar las andanzas de una prostituta de lujo (en la realidad la actriz porno Sasha Grey), y de su novio, entrenador personal de grandes ambiciones, no parece un argumento ya de base destinado al gran público. Si a eso sumamos un tono casi documental, y que, ¡ojo!, no hay ningún desnudo ni escena de sexo en todo el metraje (bueno sí, una escena si aguantas hasta el final de los créditos si que hay...), se observa claramente como Soderbergh nuevamente ha buscado contar una historia personal, en la que cuenta lo que le interesa de ella sin dar lugar al morbo en ningún momento. Y es que "The Girlfriend Experience" no trata sobra la historia de un "puta" sin más. En esta película se adivina por encima de todo una crítica brutal a la sociedad actual, a una ética descompuesta cada vez más extendida por todo Occidente, y al ser humano como animal decadente que ante la crisis (económica y de valores por igual) se convierte en un simple manojo de taras, vicios, e inseguridades lamentables, en los que la frialdad, el sexo, y la desolación, son un paraguas de díficil comprensión. Una, en apariencia impasible, Sasha Grey, simboliza a la mujer despersonalizada en pos de la ambición mal entendida que no hace si no dañarle mediante un autoengaño respecto a su verdadero lugar en el mundo. Con una fotografía cuidada y elegantísima que aporta mucho al caráter en sí de la historia (esos planos propios del documental, los inexistentes planos contra plano, la utilización de reflejos en espejos alejándonos de la parte humana de los protagonistas...), el film te absorve de forma que si consigues entrar en su ritmo casi glacial, terminas cayendo en la decadencia y pobreza de unos personajes que no son más que el vivo reflejo de cualquier ciudad del S.XXI. Con sus defectos, que los tiene, el enésimo proyecto indie de Soderbergh aporta mucho más que la mayoría de sus obras millonarias, y ante esto, teniendo en cuenta que haciendo cine de palomitas es de los más inteligentes que quedan por Hollywood, no se puede más que seguir mostrándole el mayor de los respetos.
Como suele pasar muchas veces con los estrenos americanos en los que no sale el Brad Pitt o la Julia Roberts de turno, "Warrior" ha visto como transcurría el 2011 y no tenía cabida en la oferta cinematográfica de la cartelera española. No hace mucho, cuando ya muchos habíamos perdido la esperanza y la habíamos visto mediante descargas de la web, se estrenó en España bastantes meses después de su salida en EEUU y otros países del globo el film protagonizado por Ryan Gosling, "Drive". Esta tuvo suerte, y aunque tarde, finalmente llegó a nuestras pantallas. Otras muchas grandes películas sin embargo no corren la misma suerte, y la ceguera de las distribuidoras permite que mientras las carteleras se llenan de películas absurdas, otras estupendas y arriesgadas obras queden en el olvido más absoluto, o a las buenas sean estrenadas meses e inclusos años después de su fecha oficial. "Warrior" tiene pinta de convertirse en otro film de culto para nosotros, españolitos sin acceso a una oferta real de lo que sucede más allá de nuestras fronteras, y salvo que lo enmienden pronto, el único acceso a la cuarta película del director Gavin O´Connor lo tendremos que buscar en la web...
Después del habitual sermón sobre lo incomprensible de algunas políticas del negocio cinematográfico, vamos con lo que interesa... "Warrior" se nos presenta apenas un año después que "The Fighter" con el inconveniente temático de contar una historia parecida sobre dos hermanos muy diferentes entre sí cuya vida gira en torno al espectáculo de las peleas (boxeo en un caso, artes marciales en el otro). A partir de aquí la cosa cambia, y aunque el discurso de superación y lucha es similar, lo que nos cuenta "Warrior" nos llega mucho más hondo que lo que conseguía provocarnos la película de Bale y Wahlberg. Con una potencia visual increíble que se acentúa en una última hora con combates espectacularmente rodados, una fotografía cuidada con esmero, y un ritmo trepidante que hace que sus 140 minutos se pasen en un suspiro, el nuevo film de O´Connor consigue contar una historia previsible de una forma tan sugerente y atractiva que lo diferencia de la mayoría de películas del género. Sus dos protagonistas Joel Edgerton y Tom Hardy, acompañados de grandes secundarios entre los que destaca un expresivo y emocionante Nick Nolte en el papel de padre alcohólico, consiguen dar con el alma necesaria en sus interpretaciones como para meternos en ese drama familiar que nos sacude de la misma forma que sus cuerpos lo hacen con cada golpe recibido. Acción y drama combinados de una forma tan brillante que ni te paras a pensar que lo que estas viendo te lo podías imaginar desde el minuto 5 de película. No hay tiempo para ello porque antes de que lo puedas pensar ya estas absorto en un argumento auténtico que nos habla de peleas, sí, pero de ellas lo que más nos importa y conmueve no es la pelea del ring, sino la lucha diaria que arrastran sus personajes fuera de este. Si a esto le sumamos que "Warrior" empieza y acaba con dos sublimes piezas musicales de los norteamericanos The National, ya tenemos todos los ingredientes para auparla como la revelación de culto del pasado año.
PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA - guillaume canet (2010)
Como suele ser tradición en Dark&Fuzz, una buena banda sonora es suficiente para que la película en cuestión merezca un espacio en este blog. "Pequeñas Mentiras Sin Importancia" posee una gran banda sonora, pero aun sin ella bien tendría un hueco en mi archivo de películas dignas de ser vistas. Y es que esta película francesa que arrasó la taquilla de su país natal durante 2010 y 2011, es una obra que sin grandes pretensiones hace llegar al espectador esa sensación de familiaridad y sinceridad que tan difícil es ver hoy en día en la gran pantalla. Con un elenco de actores formidable que encabezan el genial François Cluzet, y la preciosa Marion Cotillard, el film dirigido por Gaullet se convierte en una obra coral en la que la comedia ligera se entremezcla con el drama cercano de la forma más natural posible gracias a unos actores que destilan feeling, compenetración, y en la medida de lo posible, realismo. La cosa va por lo tanto de un grupo de amigos que, con sus rencillas y problemas personales individuales, se marchan de vacaciones todos juntos con el mal sabor de boca de dejar hospitalizado a uno de ellos que apenas días antes ha sufrido un grave accidente de tráfico. A partir de aquí, y con el recuerdo del amigo ausente siempre presente, comienzan un torbellino de situaciones divertidas a veces, complicadas otras, y desgraciadas en alguna que otra ocasión, que harán sacar de cada uno de ellos lo mejor y lo peor que llevan guardado en su interior. Aliñado todo ello con piezas musicales que van desde Jet a Janis Joplin, pasando por The Band, Bowie, Eels, o Sixto Rodríguez (magnífico el tema de cierre de este), "Pequeñas Mentiras Sin Importancia" te va atrapando por su sincera muestra de la amistad con todo lo que esta conlleva, es decir, aprecio, cariño, risas, pero también, como no, pequeñas mentiras.
Hace unos días visioné la nueva película sobre Béisbol protagonizada por Brad Pitt, "Moneyball". Al acabarla quedé con la sensación de que quizás su único pero era pecar de "americanada" y de historia típica de lucha y superación en pos de un ideal. Solo tuve que investigar un poquito para ver que la historia en sí era tal cual. Que el acontecimiento real en el que se basaba era lo que había seguido el guión, vaya. Y que como se suele decir, la realidad es la que muchas veces brinda las historias más increíbles en las que se pueda basar el cine.
Con The Damned United me habría pasado un poco lo mismo de no estar en sobre aviso de que la trama y la historia en la que se inspiraba el film eran verídicas, y como ya me pasó con Moneyball, quedé con la satisfacción al acabarla de ver como se puede hacer gran cine con el tema del deporte como eje central. En ésta Tom Hopper toma como fuente la biografía sobre Brian Clough, mítico ex futbolista y entrenador inglés, que a lo largo de 40 años fue figura imprescindible en la historia del fútbol británico. Engreído, polémico, locuaz, brillante, atrevido, elegante, amante del buen fútbol frente al juego sucio... son todos ellos adjetivos y descripciones que las crónicas de la época dicen que casan con su figura. Como tal es representado en la película, y como tal se narra su paso como entrenador desde las divisiones inferiores, hasta llegar a lo más alto de su carrera como campeón de todos los títulos habidos y por haber. Todo ello mientras luchaba con unas pretensiones excesivamente ambiciosas que le llevaron a enfadarse con su mano derecha Peter Taylor, a enfrentarse hasta la obsesión con su rival Don Revie, o a meterse en continúas polémicas con jugadores y dirigentes. La película se rebela como una obra de gran entretenimiento en la que hay momentos para la diversión, de igual forma que los hay para reflexiones más profundas como la importancia de la amistad, lo duro de la soledad, o lo estúpidos que a veces pueden llegar a ser lo egos. Ambientada en una oscura y gris Inglaterra de los años 60´y 70´, su estética visual es de un estilo británico especialmente agraciado en esta ocasión, y junto a un notable ritmo narrativo, y un acertado montaje, que entremezcla imágenes filmadas con archivos televisivos, conforman una obra agradecida de ver y oír que gustará a los aficionados al deporte rey tanto como a los que no lo sean. La buenas interpretaciones secundarias, en la línea de lo que suelen ser este tipo de películas semicómicas en Gran Bretaña, terminan por completar un film que rinde homenaje un personaje peculiar, brillantemente interpretado por Michael Sheen, y que si se me permite la comparación y salvando las distancias, recordará al seguidor español tanto a Pep Guardiola en algunos momentos, como a José Mourinho en otros. Sobra decir a quién en los buenos y a quién en los malos...
Dada la actual situación del tema de las descargas en Internet me es imposible poner un enlace más útil que este. Es lo que toca. Vuelta a los P2P y al emule parece...
Una película que arranca con Ryan Gosling (aunque sea de jovenzuelo), y con "Gigantic" de The Pixies, no puede ser nunca mala. Efectivamente "El Mundo De Leland" no lo es. Puede que no sea original, y que le falte algo más de garra y crudeza, pues estamos en esa línea de films sobre chaval excéntrico, con una inteligencia que supera las dotes normales, y que bordea peligrosamente los síntomas depresivos; pero sin duda, detrás de su envoltorio, quizás algo light por momentos, se descubre una película interesante en la que las buenas actuaciones del mentado Gosling, o de secundarios de lujo como Don Cheadle o Kevin Spacey, soportan el peso de una trama que se desarrolla lenta pero con paso firme. Repleta de grandes citas, "El Mundo De Leland" es una obra de las que dan que pensar, que araña en lo más profundo del ser humano, y la cual, si hubiese que resumir, concentraríamos dicha síntesis en unas pocas palabras: error, arrepentimiento, desdicha... pero sobre todo, tristeza, y bondad. Con una banda sonora en la que aparte de varios temas de The Pixies y de Frank Black en solitario, encontramos piezas de Robert Pollard (Guided By Voices), o de un genial e inspirado Jeremy Enigk (Sunny Day Real Estate), sin duda "El Mundo De Leland" es de visión obligatoria para todo aquel que guste de la buena música, de igual forma que para el que disfrute del cine comercial de coartada indie y sugestivo mensaje.
BUSCANDO UN BESO A MEDIANOCHE - alex holdridge (2007)
Ideal para una despedida de año. Cine independiente del de verdad, hecho con cuatro duros pero con un gran guión y unos formidables actores. Poco más que decir, SALUD Y FELIZ 2012
Cuando piensas que ya no te queda ninguna "película de mafia" por ver, siempre hay una noche más en la tomando algo con amigos estos te hablan de una nueva, o como en este caso, de una que se te escapó en su día. Recientemente me pasó con "Drive", y ahora me llega esta película inglesa del año 2000. Con todo y eso hay que decir que como ocurría con la obra protagonizada por Gosling, "Gangster Nº1" no es la típica película de mafiosos. Me explico. Responde a muchos de los clichés del género pues nos cuenta la ascensión del protagonista de ser un matón cualquiera hasta llegar a la cúpula de su organización, y además la violencia extrema, el humor negro que roza el mal gusto, y los personajes secundarios excéntricos que rellenan la trama, están ahí como en toda buena peli de gangsters que se precie. La parte diferente en este film la encontramos en la ambición por parte del director de querer ahondar en las profundidades del protagonista, un sádico obsesionado con el éxito, y sobre todo con el que comienza siendo su jefe y mentor Freddy Meiss. Interpreatada magníficamente por Paul Bettany durante su juventud, en la parte correspondiente al presente encontramos a un sobreactuado Malcolm McDowell (La Naranja Mecánica), que si bien se come la pantalla, lo cierto es que no me termina de convencer pues no concuerda mucho con lo que hemos visto del protagonista en la mayor parte del metraje durante los años 60´y 70´. Pero bueno quitando ese detalle, lo cierto es que la película tienes escenas memorables (las dos con el pobre landronzuelo, Eddie, o algunas de las partes violentas, son de primerísimo nivel), y con una estética feísta y oscura más cercana a "Lock, Stock..." que al cuidado cine americano de Martin Scorsese, lo cierto es que logra un estilo visual que me convence gracias a que me parece que es el que cuadra con el tipo de historia que nos cuentan. En general "Gangster Nº1" busca ofrecer algo diferente con un envoltorio muy personal, y de esta forma Paul McGuigan logra crear un buen producto que sin embargo por alguna razón cojea en determinados momentos (quizás faltan minutos para penetrar en eso tan "profundo" que parece querer transmitirnos, y que por ejemplo "Erase una vez en América" conseguía de forma primorosa), siendo de esta forma un film más que correcto, pero que se queda lejos de las grandes obras maestras del género. Aun así muy recomendable.
Amor, odio, y controversia, son los sentimientos que más ha provocado la última película de Terrence Malick. No debería sorprender pues es algo a lo que nos tienen acostumbrados los films de este enigmático y peculiar director que sin duda nos ofrece una obra compleja, profunda, y no apta para todos los públicos. Y que conste que no me incluyo entre el círculo de eruditos que pueden disfrutar hasta niveles orgásmicos de "El Arbol De La Vida". Es más he decir que me costó entrar en ella, me costó salir, y sobre todo me costó entender (si es que lo hice) toda la carga y mensaje de la película. Pretenciosa, pedante, o estúpida son los calificativos que más utilizan sus detractores. Inteligente, brillante, o filosófica son los adjetivos que le ponen otros. Yo desde luego sí puedo decir que en ocasiones sentí que podía sobrar algo de metraje, y que la parte documental (por muy bien realizada que esté), no me terminó de convencer del todo, aun reconociendo su importancia en la trama (si es que hay trama aquí) una vez concluido el film. La densidad de todo lo que vemos puede llegar a agotar en algún momento, pero por encima de todo yo vi una historia humana, tan grande como la vida misma, y que me transmitió muchísimas cosas, que eso sí, no sabía muy bien como encajar. Por encima de las reflexiones personales que cada uno podamos hacer, lo que está claro es que la dirección de Malick, apoyado por la sublime fotografía de Emmanuel Lubezki, se convierte en todo un espectáculo para los sentidos, siendo cada uno de los fotogramas que vemos un pedacito de obra de arte con los que solo se puede gozar. Poesía, sensibilidad, y belleza se mezclan como siempre en Malick con la sensación de tedio en algunos momentos, pero también con la seguridad de estar viendo algo más que dos horas de cine sin más, pues cuando salgas de la sala aun quedará película en tu cabeza para mucho tiempo. Como decía antes, se dice de ella que o la odiarás, o la amarás, pero yo creo que también hay otra opción, y es la respetarás.
07 THE FIGHTER - David O. Russell (2010)
Reparto: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Robert Wahlberg
Agradable sorpresa la que supuso a principios de año la quinta película de David O.Russell. Un director que hasta el momento no había hecho nada especialmente reseñable en mi opinión, y que con esta historia basada en un hecho real consiguió hacer una notable película sobre un género bastante trillado como es el mundo del boxeo. Desde luego esto no es Toro Salvaje, ni Million Dollar Baby, y la película sigue un esquema que puede que incluso se torne previsible en algún momento, pero sí de verdad una peli basada en algo real se ciñe a lo que ocurrió, y sí lo que ocurrió fue esto, desde luego que poca culpa tiene el director de que la historia del adicto boxeador Dicky Eklund y su hermano Micky Ward, fuera la que fue. Aquí el personaje secundario, interpretado por Christian Bale, se come totalmente a Wahlberg, al cual se le supone el protagonismo de la cinta. Bale interpreta a un adicto a las drogas con una gran credibilidad, y exprimiendo su físico como ya hizo en "El Maquinista", borda a un personaje a priori complicado de emular sin caer en el cliché o el ridículo. Además la mezcla de ficción, documental, y retransmisión televisiva, funciona a la perfección y da una visión algo innovadora dentro del género boxístico que sin duda se agradece.
08 MIENTRAS DUERMES - Jaume Balagueró (2011)
Reparto: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte
Balagueró se ha hecho con un nombre dentro del cine de terror por derecho y meritos propios gracias a buenas, y en algunos casos, originales, películas del género como "Darkness" o "Rec". Ahora con "Mientras Duermes" da un paso al frente, y remitiéndose a influencias más clásicas como las de Polanski, Hitchcock o Demme, ha creado un film mucho más inteligente, inquietante, y poderoso en su trama, que las ya de por sí muy eficientes obras de su primera filmografía. Basándose en un personaje de esos que de alguna forma con los años se convierten en malos de culto, el director catalán consigue con esta historia de un portero trastornado, una película en la que sin gritos, sustos, ni giros brutales, deja al espectador con una mayor sensación de desasosiego que la puede conseguir un baño de sangre. César con su frialdad y mezquindad es desde ya un clásico del terror español, y es que pocas veces alguien tan despreciable consigue que empaticemos tanto con él como aquí el personaje de Luis Tosar lo logra. Posiblemente la mejor película española de las estrenadas en este 2011, y seguramente carne de remake americano no tardando mucho.
09 EL DISCURSO DEL REY - Tom Hooper (2010)
Reparto: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Michael Gambon, Guy Pearce
Típico producto inglés destinado a ganar premios allí donde participe, "El Discurso Del Rey" se sustenta en su buena planificación, en su sobriedad, en su academicismo, y sobre todo en el gran papel de sus dos protagonistas. Y es que si Colin Firth se luce en su papel de Jorge VI, no menos brilla Geoffrey Rush como el peculiar logopeda que ayuda a este a superar sus problemas con la tartamudez. Entretenida, correcta, con una muy buena representación del momento socio-histórico, la película dirigida por Hooper seguramente no es una de esas obras que crea tendencias, ni de las que marca épocas, pero sin duda es un correctísimo ejercicio de recuperar un trozo de historia de la forma más lúdica posible.
Divertida y entrañable película, Arévalo vuelve a hacernos reír con una comedia de regusto melancólico en la que la gravedad de la parte dramática desciende algo respecto a sus anteriores obras. Unas interpretaciones brillantes de unos actores como Quim Gutiérrez y Raúl Arévalo en estado de gracia, son casi suficientes para mantener una historia amable y llena de humor costumbrista español, pero al que se le da una vuelta de tuerca más, consiguiéndose así que nos identifiquemos con ella debido a la gran cantidad de lugares comunes que vemos a lo largo del film. Una buena muestra de buen cine español, sin muchas pretensiones, eso sí, pero entretenido hasta decir basta.
sábado, 17 de diciembre de 2011
IN THE LOOP - Armando Iannucci (2009)
Magnífica sátira sobre el comienzo del conflicto con Irak, el film no deja títere con cabeza bañando con ironía típicamente inglesa cada minuto de esta absorvente historia. A pesar de ser un tema más que serio, y del que quizás no habría que reírse, lo cierto es que muchas veces este tipo de películas son las que se convierten en un mejor ataque frente a las dudosas practicas de los gobiernos. En este caso los días previos a la declaración de guerra por parte de EEUU y Reino Unido, se convierten en una ida y venida de sucesos a cada cual más jocoso, en los que los protagonistas serán entre otros un ministro de Asuntos Exteriores británico patético, unos asesores del mismo perdidos y demasiado humanos para lo que les toca vivir, un jefe de comunicación despiadado, un Subsecretario de Estado norteamericano amante de la guerra... es decir todo un plantel de despropositos que interpretados por actores poco conocidos (quizás el más conocido sea James Gandolfini, protagonista de "Los Soprano"), se hace más creíble de lo que debería ser un suceso de tal importancia como este. Con una realización más televisiva que cinematográfica al estilo de la serie "The Office", el ritmo se hace trepidante con multitud de cambios de encuadre, escenas cortas, y mucho movimiento de cámara, que no hace si no meternos de lleno en los pasillos de esas oficinas de Estado, a la vez que nos marea tanto como la situación que nos cuenta lo está en sí. Entretenida e inteligente, esta comedia es de las que como en su día hiciera "¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú", te hace reír a la vez que provoca que le des vueltas al coco.
Chico peculiar (aquejado en este caso del síndrome de Asperger) pierde a su padre, y justo en ese momento conoce chica mona, pero tampoco intimidatoria, que llega nueva al vecindario a la vez que sale de una ruptura reciente. En apariencia tiene todos los ingredientes para ser el típico drama romántico de tintes comerciales, pero en "Adam", a través de un humor inteligente bastante logrado, se consigue una película cercana al cine independiente menos exigente y logra así resultar honesta en la narración de toda la complicada historia de amor que surge entre dos personas a priori con tantas diferencias. Sin llegar al esnobismo ni la pedantería de la que adolecen en ocasiones las tragicomedias más indies, "Adam" es una buena película para conocer algo más de la enfermedad que sufre el protagonista, a la vez que reflexionamos sobre lo complicado, y a la vez sencillo, que puede llegar a ser el amor. Nada previsible en su desarrollo, bien contada, y con una realización más que correcta de manos del debutante Max Meyer; solo por ver las sutiles interpretaciones de los dos protagonistas merece la pena su visionado.
Eran muchas las personas que me recomendaban ver a través de la web la que algún día será en nuestro país el nuevo estreno protagonizado por Ryan Gosling. Dejando a un lado la polémica de si es correcto anticiparse a los estrenos, y ver películas que aun no se han proyectado en la gran pantalla, lo cierto es que Drive tiene pinta de ser una de esas películas que sin ninguna explicación coherente se estrenan meses, e incluso años después en las pantallas de nuestros cines, respecto a lo que fue su estreno en el resto del planeta. ¿La explicación? Quién la sabe... Supongo que el hecho de que no se parezca a "A Todo Gas" todo lo que por la sinopsis pudiese parecer, o que en su reparto no aparezcan grandes de la talla de Vin Diesel y similares, juega en contra de un film que roza la Serie B, pero que por suerte tiene mucho más que ese misticismo del cine underground. Con un Ryan Gosling espectacular (este hombre ultimamente convierte en oro todo lo que toca), el film consigue transmitir una atmósfera sobria y reservada, pero a su vez asfixiante, y con una pulcritud digna de elogio nos presenta una historia de las de toda la vida (mafias, robos, amor...) pero con una serie de matices que la hacen diferente. Gosling, en un personaje que por momentos nos recuerda a un Travis Bickle actualizado y ligeramente humanizado, lleva el peso de una trama en la que cabe el suspense, el romance, o la acción, pero que alejándose de los thriller al uso se impregna de dosis de ese cine de otra época, y de bajos presupuestos, para conseguir una obra con tintes icónicos, y en los que la brutalidad no nos sorprende porque nos es creíble. Acompañado todo ello por una fotografía y una dirección sobresaliente, y por una magnífica banda sonora a cargo del vecino de Angelo Badalamenti, Cliff Martínez, así como por piezas de autores sueltos como The Chromatics, Kavinsky, o College (ese tecno-pop oscuro y sentimental no puede funcionar en otro contexto que no sea la ciudad de Los Angeles), tenemos una de las películas de la década, y la consagración de uno de los actores del momento.
Lo de verla antes de que salga en el cine lo dejamos para otra ocasión... Al fin y al cabo si la disfrutas en una pantalla de veinte pulgadas en casa, y te gusta el cine, seguro que no dudarás en pagar por verla cuando se decidan a ponerla en la gran pantalla.
Se hace complicado hacer una lista con las mejores películas del año cuando pueden existir tantos parámetros diferentes para su realización. Por un lado podría atenerme al año de producción y de esta forma que solo contasen las películas del presente 2010. También podría hacerlo teniendo en cuenta un evento como los Oscar, y contar que en el mundo del cine el 2010 empezó allá por el mes de Marzo tras la celebración del "circense" evento de Hollywood. Pero como esta es mi lista, y mi año empieza como el de todos los occidentales el día 1 de Enero, pues en ella van a entrar mis preferidas de entre todas las películas (o casi, pues la aun no estrenada "Balada triste de trompeta" mucho me temo que por la pinta que tiene también entraría) que se hayan expuesto en España a lo largo del presente año. De esta forma habrá películas que se realizaron en 2008 y 2009 pero que, cosas de las distribuidoras, no se han estrenado hasta 2010. De igual forma es obvio que habrá películas de las que concursaron en los mencionados Oscar, y las habrá claro, que participarán seguramente en los siguientes. En definitiva, estas son las películas con las que un servidor más ha disfrutado en una sala de cine a lo largo de este 2010 que nos dirá adiós en cuestión de semanas. Si os habéis perdido alguna no lo dudéis y acudid rápidamente a vuestra Fnac más cercana, o en su defecto, a vuestro servidor de descargas preferido. ¡¡Feliz cinéfilo 2011!!
1 La cinta blanca (Das weisse Band) - Michael Haneke La que para mi es la mejor película estrenada en España en 2010, no es precisamente una película fácil ni recomendable para todos los públicos. Y no solo porque Haneke nunca haya sido un director destinado a las masas, si no que esta vez la dureza de la historia, y lo crudo del dicurso y el tempo narrativo, jugaban claramente en contra de los públicos más mayoritarios. El film nos sitúa en lo días previos a la Primera Guerra Mundial, dando una muestra de la sociedad alemana de ese momento, impregnada de fanatismo religioso, incesto, desprecio a la mujer, educación autoritaria a los hijos , y un largo etcétera, que se verá reflejado poco a poco en los niños del pueblo, cuyos extraños comportamientos darán al film de un aire terrorífico en extraña mezcla con la historia realista que se nos cuenta. Dotada de una tensión constante, Haneke consigue tenerte encogido en tu asiento mientras trascurren extraños acontecimientos que sin terminar de explotar en ningún momento, nos acongojan a la vez que nos ofrecen su visión de los antecedentes de los años más complicados en la historia de Alemania. Sin efectismos de ninguna clase, y siendo fiel a un naturalismo casi extremo, la película consigue un ritmo interno increíble que rozará la excelencia por momentos. Una fotografía en B/N excelente y en general una dirección artística para enmarcar, redondean el film más completo del polémico director austriaco.
2 Las vidas posibles de Mr. Nobody (Mr. Nobody) - Jaco Van Dormael Trazada sobre el últimamente muy recurrido tema de las casualidades, los encuentros sorprendentes, los tropiezos inesperados, las posibilidades perdidas por tomar una decisión y no otra... "Mr. Nobody" parte de un mundo futurista para, a partir de los recuerdos de un hombre de 118 años, llevarnos en un viaje por el pasado de este, en el que los fragmentos inconclusos y pertenecientes a tres vidas radicalmente distintas nos ofrecen un puzzle confuso en el que lo único que quedan son los sentimientos disfrutados por este protagonista. Se limita así a recordar los caminos distintos que supuestamente podría haber vivido, pero que de forma lógica no nos llevan a ninguna parte, salvo a la reflexión sobre la toma de decisiones en determinados momentos de la infancia y la juventud, así como de las elecciones precipitadas en cada etapa de la vida. Grandilocuente y por momentos excesiva, Van Dormael convierte la película en un vídeoclip de 135 minutos con un estilo visual deslumbrante y una selección musical muy acertada, y que si bien peca de confusa por momentos, cuando al final descubres que no hay demasiado que entender, y todo cobra un sentido, que no es otro, que el que cada uno le quiera dar.
3 La red social (The Social Network) - David Fincher La historia del creador de Facebook podía parecer en primera instancia la típica película de universitarios post adolescentes, con sus chicas, sus campus, sus deportes, sus hermandades... Pero ya desde su secuencia inicial "La red social" nos muestra que es otra cosa. Esa conversación casi anfetamínica del protagonista con su novia en la que parece que todo va más deprisa de lo que nosotros podemos seguir, nos adelanta como la historia que nos va narrar David Fincher es una historia moderna, de hoy, y como tal, las cosas irán a toda velocidad. Tan rápido tan rápido como Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), alumno de Harvard y genio de la programación, se convirtió en el multimillonario más joven del planeta. Con un montaje vertiginoso de excelente factura, otorga este a la narración el tempo buscado, convenciendo además "La red social" por sus intervenciones actorales, que sin ser deslumbrantes cumplen con el carácter ligero de la película. Y digo ligero porque así hay que entender esta película. No trata Fincher de jugar a psicoanalista de Zuckerberg, ni de su amigo y socio traicionado Eduardo, sino que más bien trata de contarnos de un forma entretenida y vistosa, como el dinero y el poder sobrepasará a estos jóvenes universitarios a los que la velocidad de la vida actual les impedirá tomar las decisiones correctas para ser ricos en vida, y no solo en sus cuentas bancarias. Ayudada por una gran BSO realizada por Trent Reznor (NIN), y con una escena final que de lo simple que es resulta majestuosa, "La red social" es lo más parecido a una gran película que con un tema como este se podía realizar.
4 Un tipo serio (A Serious Man) - Hermanos Coen Tratándose de una de las películas más raras de los ya de por sí especiales Hermanos Coen, "Un tipo serio" trata en profundidad (que no sin humor, negro por supuesto) las costumbres de los judíos, haciendo una radiografía socio-religiosa de dicha fe, así como de la existencia, el ser humano y sus conflictos internos, las relaciones de pareja y laborales, la doble moral... Con un humor basado en la tortura constante de 'Larry' Gopnik, padre de familia con dos hijos y una esposa que le va a abandonar, al que no dejan de ocurrirle todo tipo de sucesos que le amargarán la existencia. Está la historia repleta de secundarios a cada cual más excéntrico, así como de situaciones a cada cual más absurda, y siempre como decimos en pos de la desgracia del protagonista. Totalmente corrosiva, "Un tipo serio" muestra a los Coen más mordaces y críticos, y hacen de una comedia un producto que va mucho más allá, exigiendo para su disfrute y comprensión, el reflexionar y analizar todo lo mostrado a lo largo del minutaje.
5 Un profeta (Un prophète) - Jacques Audiard Situados en las entrañas de una cárcel francesa, "Un Profeta" nos narra la historia de Tahar Rahim, un joven preso de origen árabe que debe cumplir una condena de seis años, y al que las reglas internas de los penales le harán curtirse y buscar poco a poco un camino propio en busca de su seguridad. Cercano a los mafiosos Corsos, Rahim va encontrando con el paso del tiempo su lugar en un sitio desolador en el que la supervivencia se convierte en el objetivo al finalizar el día. Con un estilo hiperrealista y crudo, y una frialdad en la narración en la que no hay lugar para sentimentalismos, "Un Profeta" tiene mucho de cine carcelario e incluso de thriller americano, pero es ese realismo sucio más cercano a propuestas europeas como "Gomorra", lo que le da el carácter personal que desde sus inicios ha marcado la carrera de su director, Jacques Audiard, el cual sin duda está entre los más destacados del nuevo panorama europeo.
6 Two Lovers - James Gray Después de prodigarse en el género de cine de acción y mafia en sus anteriores películas, James Gray explora en este cuarto film un tema nuevo para él como es el amor. Tratado desde su particular visión, "Two lovers" no es una historia amable, sino que en ella conceptos como la traición y la lealtad, tan propios del cine de Gray, estarán presentes en toda la narración. Protagonizada por el genial Joaquin Phoenix, su personaje sufrirá de depresión y bipolaridad, mostrándonos así a un ser complejo que recupera cierta estabilidad al conocer casi a la vez a dos mujeres que representan dos polos totalmente opuestos. Correspondido abiertamente por la amable y encantadora amiga familiar, las complicaciones vendrán cuando una recién instalada vecina comienza a entrar en la vida de Phoenix, llegando a fascinarle hasta el enamoramiento. La estabilidad contra la pasión. Una historia mil veces repetida, pero que Gray traza muy bien en esta peculiar película cuya intensidad se ve aumentada gracias a la complejidad del enfermo protagonista del que no sabemos que poder esperar. Romántica a la vez que turbadora y dolorosa, la felicidad y la alegría pasean en este film de la mano con la posibilidad de la frustración y la amargura. Una notable película con grandísimas interpretaciones de la mano de Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw o Isabella Rossellini.
7 Buried (Enterrado) - Rodrigo Cortés Me complace mucho poner una película española entre mis preferidas de este año, y tratándose de una película española comercial, para todos lo públicos, y con distribución internacional, mucho más aún. Y es que para un servidor no está tan mal el cine español como se dice, ya que detrás de los clásicos casposos de toda la vida, existe en mi opinión una serie de directores muy interesantes haciendo por un lado un cine, llamémosle, independiente, de un grandísimo nivel (véase Jaime Rosales, Cesc Gay, Rafa Cortés..), y por otro una serie de creadores como mayor visión comercial (Daniel Monzón, Daniel Sánchez Arévalo, Juan Carlos Fresnadillo, o el aquí mentado Rodrigo Cortés) que están dando un aire nuevo al vilipendiado cine patrio. "Buried" es además una obra original, con una propuesta innovadora y rompedora en la que un solo personaje, en un solo escenario (un ataúd en este caso), crean la tensión necesaria para mantener la atención del espectador durante la hora y media que dura. Con un crescendo emocional que por momentos parece que va decaer, se sostiene la película agarrándose en la angustia del protagonista, consiguiendo llegar a su final con un clímax que no por previsible deja de funcionar de forma admirable. Con algunos errores más que tampoco es cuestión de enumerar, estamos con "Buried" ante una película de entretenimiento con una intriga excepcional, que además esconde un mensaje crítico, y de la que sin duda podemos estar orgullosos porque sea un españolito quién la firme.
8 Shutter Island - Martin Scorsese Creo que al ver esta película mi falta de objetividad va de alguna forma en contra del propio film. Dirigida por mi director favorito de todos los tiempos, me decepciona "Shutter Island" por esperar, como casi siempre que Martin estrena, una obra de arte del tamaño de buena parte de su filmografía. No me termino de convencer de que no siempre eso es posible (de hecho son varias las películas que no llegan al notable a lo largo de su carrera), y por ello con este film me ocurre que al finalizar su visionado me quedo con la sensación de que podía haber sido algo más. Y es que como thriller psicológico que es, la película cae en muchos de los estereotipos de este tipo de cine, haciéndose por momentos algo previsible, y sobre todo ayudándose de las tan recurridas trampas que nos ofrece la enfermedad mental de alguno de los protagonistas. Ese es sin duda su principal defecto, y del que peca Scorsese al llevar a cabo este guión. Si bien esto no quita que me parezca esta una película de encargo que Martin, como genial artesano que es, lleva a cabo de una forma majestuosa dándole tanto brillo como cualquier otro director haya dado antes a películas similares del género. O lo que es lo mismo, Scorsese es tan versátil que se sobra para hacer lo que pidan de una forma notable, e incluso se permite el lujo de darle por momentos un carácter y personalidad que pocos conseguirían. El magnífico ambiente opresivo logrado, así como unas convincentes interpretaciones (Di Caprio definitivamente se ha hecho mayor), o la correcta forma de llevar el rocambolesco el guión sin perder el interés en la trama, son algunos de los puntos fuertes de una película que habla de la paranoia en los años posteriores a la IIGM, lo cual poniéndonos metafóricos nos puede decir mucho de porque Martin aceptó esta historia en los tiempos que corren. Como siempre, y pese a que tengamos un resultado final mejor o peor, Scorsese siempre va un paso por delante en lo que realmente quiere transmitir.
9 Origen (Inception) - Christopher Nolan Y de decepción entre comillas a decepción con todas las letras. Es Christopher Nolan sin duda un genio, un realizador brillante a la vez que un escritor infalible de historias llenas de suspense, tensión y elegancia narrativa. Se le acusa de tramposo a veces. Hitchcock también lo era ¿y qué?. Nolan es sin duda uno de los tres o cuatro mejores directores actuales en lo que a cine comercial y de calidad se refiere, y por ello con "Origen" esperaba una obra superlativa.. Y lo es en la medida en que la pirotecnia visual es auténticamente alucinante, así como lo es su enrevesado y pretencioso guión, o el magnífico plantel de actores que podemos ver a lo largo de todo el metraje. Pero claro cuando tienes todo eso, y a un director como Nolan, lo que esperas es una película que pase a la historia por algo más que por ser el Blockbuster de autor mejor realizado. Y que conste que soy consciente de ir contracorriente en el sentido de que por lo general las críticas de los verdaderos especialistas son muy buenas. Pero sinceramente a mí toda esta historia de sueños, y de capas oníricas, no solo me hace perderme, sino lo que es peor, me da la sensación de que por momentos su pretendida complejidad se queda en nada según va avanzando el film y presenciamos que nada era tan complicado, ya que finalmente no es excesivamente necesario todo ese rollo con que nos despistan constantemente para comprender una historia que en su resolución no era para tanto. Aparte de esto añadiría a mis críticas la falta de compromiso con unos personajes con los que no consigo terminar de identificarme, no se si por mi culpa, o por la velocidad con la que todo pasa en este speedico film. ¿Y a pesar de todo está entre las mejores películas del año para mí? Pues en mi opinión sí. No se si esto no habla muy bien de la cartelera del 2010, o simplemente es que incluso cuando no me convence del todo, Nolan sigue por encima del resto. Porque todo hay qué decirlo, la película entretiene, no se hace larga pese a su excesivo metraje, y como ya decía, es un autentico espectáculo visual. Pero cuando a los dos días ya ni te acuerdas de que iba todo ese lío de limbos, patadas, capas, y sueños, es que algo no ha terminado de funcionar en la que posiblemente era mi película más esperada del año. En el particular combate al que os someto como mis directores actuales favoritos, esta vez Fincher con una historia mucho más sencilla, terrenal y humana, te ha pasado por la derecha, Nolan. Pero bueno, la lucha continua...
10 Kick-Ass: Listo para machacar - Matthew Vaughn No soy lector de comics, ni conozco la historia previa de esta película, por lo que me limito a juzgar la película como producto cinematográfico, y para nada entraré a valorar si es o no fiel al espiritu de la historia original. Dicho esto hay que decir que "Kick Ass" es una comedia muy bruta, impreganda de mucha violencia y sangre, pero que por alguna razón no escandaliza, ya que se respira en todo momento cierto halo de parodia no solo de las películas de superhéroes y de las comedias románticas juveniles, si no también de las películas de extrema violencia. Siguiendo de primeras los cánones del género, pero impregnándolo de cierta frescura que la hace diferente, la película huye de lo previsible con el único fin de dar una vuelta de tuerca a un tipo de cine muy manoseado hoy en día. Y lo consigue en la mayoría de momentos ofreciéndonos así un película divertida, que se pasa rápido, y que pese a no ofrecer mucho más que ese divertimento, tampoco es el típico producto de usar y tirar. Cierto es que tienes algún chiste sonrojante, y momentos en los que la autoparodia llega a ser un poco ridícula, pero son los menos, y por ello considero "Kick Ass" como una de las mejores películas basada en comic que he visto en los últimos años(siempre desde el punto de vista del no degustador de ese tipo de arte). Por cierto la banda sonora, con unos omnipresentes The Prodigy, todo un puntazo.
En 1970 la publicación del libro “Las aventuras de Antoine Doinel” parecía iba a ser el colofón al ciclo “Doinel”. Las declaraciones del propio Truffaut en años venideros así lo confirmaban, tratando de esta forma de proteger al actor Jean Pierre Leaud, muy mediatizado por el éxito, y encasillado en el cómico personaje. Sin embargo a finales de los 70´, y en lo que para muchos fue un acto de oportunismo para hacer una buena taquilla recuperando la exitosa saga, se rodaría un último capítulo con las andanzas de Doinel. Se trata “El amor en fuga” de una síntesis del personaje revisando el pasado, así como una mirada al presente y futuro de Antoine. En ella presenciamos intercalados con el presente, fragmentos de todas y cada una de las películas anteriores, recordando así el pasado, a la vez que lo comenta con diferentes personajes de su pasado con los que se irá encontrando. Así vemos a nuestro protagonista, que ahora tiene unos 35 años, divorciándose de Christine, a la vez que conocemos los entresijos que trajeron dicha separación, con un caso de celos por parte de Doinel ante el acercamiento de Christine a una amiga llamada Liliana, que sin embargo finaliza con la infidelidad de este con dicha amiga. Como vemos Doinel en todos estos años ha seguido siendo el mismo, y a su desencantada esposa solo le quedará la separación al comprender que por mucho que se quieran, las cosas con Antoine nunca podrán funcionar. Junto a esta historia tenemos otro reencuentro con una de sus mujeres pasadas. En este caso se trata de Colette, con la que se encuentra de forma fortuita al llevar a su hijo a la estación. Doinel en unos de esos actos irracionales a los que nos tiene acostumbrado, se colará en el tren para saber más de la vida de la que fue su primer gran amor. Se trata del segundo encuentro con Colette tras el de “Besos Robados”, y si aquella vez veíamos a una Colette feliz acompañada de su marido, ahora nos enteramos de que su vida ha sido una desgracia, con la muerte de su hijo, y un posterior divorcio. El encuentro a bordo del tren se ve salpicado de notas de humor mientras Colette lee fragmentos de la novela autobiográfica que Doinel publicó sobre sus amores, y en la cual por supuesto aparece aquel primer e ingenuo amor. Y entre todos estos retazos de pasado, el presente. Y el presente no es otro, para no variar, que un nuevo trabajo, en este caso en una imprenta, y un nuevo amor, Sabine. Se trata esta de una bella chica, más joven que él, que trabaja como vendedora de discos. Presenciaremos al comienzo del film la ruptura entre ambos, para terminar, después de todos los encuentros con su pasado, con una reconciliación final. La comedia y la melancolía se van mezclando como a lo largo de toda la serie, y la correspondencia entre Truffaut y Doinel vuelve a ser más grande que nunca. El episodio en el que Doinel visita, acompañado de un antiguo amante de su madre, la tumba de esta, no es solo el acto de redención de Antoine con su madre, sino el acto de arrepentimiento del propio Truffaut por lo sucedido en su vida real. Además la búsqueda obsesiva de la mujer ideal, y el continuo fracaso al no conseguirlo estaba tan presente en la vida del director, como lo está en nuestro anti-héroe.
El amor continúa en permanente fuga, y la melancolía nos invade mientras recordamos episodios pasados de éxitos y fracasos de nuestro protagonista. Fueron desfilando las mujeres por su vida, y con ellas se fueron los besos robados. Pero queda el bonito recuerdo de todo lo vivido, y también un bonito hijo, Alphonse, fruto de algunos de esos incontables besos. Y queda Sabine, con la cual, como decíamos, termina reconciliándose en una secuencia final para la historia (en la que le cuenta la historia de la fotografía reconstruida, por la cual pudo llegar a conocerla) mientras suena la canción “El amor en fuga” de Alain Souchon.
Nos despide Truffaut con imágenes del pequeño Antoine en “Los 400 golpes”, que se funden en un vertiginoso montaje de Antoine y Sabine besándose, junto al beso de dos enamorados en una cabina, mientras escuchan el tema "El amor en fuga". Los besos del presente y del pasado de Doinel… como siempre el futuro, no lo podemos asegurar…
Solo dos años pasarían antes de que llegase la que parecía iba a ser la última entrega sobre las andanzas de Antoine Doniel. Al parecer esa era la idea de Truffaut, aunque como veremos más adelante, años más tarde retomaría el tema para redondear al personaje, y a su vez homenajear toda la serie. Antoine Doinel ahora tiene 26 años y ya no es un joven vulnerable, sino que ha de responder a la vida y a las responsabilidades como un adulto. Casado finalmente con Christine, con la que le dejamos paseando en Besos Robados, la pareja vive en un pintoresco patio de vecinos de Montmartre, y están esperando el que será su primer hijo.
En Domicilio Conyugal vemos un alejamiento del director respecto al protagonista. De alguna forma, y pese a que seguirá habiendo algunos detalles autobiográficos, Doniel se emancipa de su creador, y ahora si tiene que responder ante la vida como un ser adulto y maduro. En este film el espejo en el que se mira Truffaut es definitivamente la comedia, y más concretamente la clásica americana de los Capra, Cukor o Lusbitsch. Si bien, no es Truffaut un mero imitador, y su huella estará ahí, narrándonos una comedia de parejas, no exenta de su ya ampliamente comentado poso melancólico. Película llena de homenajes, no solo los clásicos de la comedia americana nos vendrán a la memoria al visionarla. Los encuadres de piernas, como con el que arranca la película, nos traerán a la memoria a Buñuel; el patio de vecinos lo podría haber firmado Renoir 30 o 40 años antes; las miradas a través de las ventanas que tanto usó su admirado Alfred Hitchcock… Y todo eso para crear algo genuino, que seguramente ha influido en directores posteriores (por ejemplo Woody Allen), los cuales al igual que Truffaut en su momento, aprenden de los mejores para reinterpretarlos a su manera.
En Domicilio Conyugal todo tiene un aire alocado. Los diálogos rápidos, y las entradas y salidas de personajes serán esenciales para reforzar ese aire cómico dentro del patio de vecinos, en el que se entrecruzan un cantante de opera, un imitador televisivo, una mujer madura que acosa a Doniel, o el memorable cameo del mítico personaje de Tati “Hulot”… tratando de conseguir un humor amable y rutinario. Y en todo ese caldo de cultivo se va desarrollando el relato, que no hace otra cosa que seguir las andanzas del joven matrimonio. Doniel, el joven rebelde, definitivamente se ha acomodado, e incluso podemos decir que está ciertamente aburguesado. Sin embargo, y a pesar de ello nos invade con su simpatía, así como con su extraño vitalismo, y sentimos más cariño que otra cosa ante ese niño-adulto que con su inmadurez e inseguridades, no puede terminar de integrarse en la sociedad. Su oficio tintando flores, o los continuos prestamos a un amigo que ya de por si le debe dinero, son ejemplos de ciertos rasgos de la personalidad del Doniel nihilista de siempre. En definitiva, acciones propias de un soñador vitalista que conserva cierta inocencia. Y Frente a él, Christine, la cual llena la pantalla de elegancia, sensibilidad y sensualidad, recordando mucho a Catherine Deneuve. Mucho más madura que Doniel, y segura de lo que quiere en casi todo momento, tratará de ir solventando los problemas que toda pareja acarrea.
Pero Doniel no pondrá las cosas fáciles, apareciendo el tema del adulterio, (claramente autobiográfico pues fueron repetidos los escarceos amorosos de Truffaut) cuando se deja encandilar por una exótica japonesa llamada Kyoto, que traerá el fracaso al matrimonio. El aparente “Happy End” final, no deja de ser eso, una apariencia, pues la secuencia final, en la que a la pareja Doniel-Christine les ocurre lo tantas veces sucedido a sus vecinos, no es sino un tratamiento irónico y sarcástico de la reconciliación, y de la pareja en si. Aunque, no es menos cierto que quizás se pudiese ver desde otro prisma, y este no sería otro que el de ver ese tipo de situaciones como necesarias y encantadoras dentro de un matrimonio. En definitiva, en Domicilio Conyugal, Truffaut nos muestra dos maneras de ser, dos modos de entender el amor, dos educaciones diferentes, y dos extracciones sociales contrapuestas, que a pesar de todo luchan, cada uno a su manera, por sacar su amor adelante. Resumiría todo esto en una memorable frase de la película en la que Doniel dice a Chirstine que ve en ella a su hermana, su hija, su madre, su amiga….sin embargo no dice a su mujer, y ella se lo recrimina…
Corría el año 68 cuando llega el estreno de Besos Robados, tercera película del ciclo Doinel, y reflejo vivo de todo lo realizado por el cineasta hasta ese momento, así como la confirmación del amor como el tema sobre el que girará toda la historia. Con Besos Robados Truffaut, como él mismo dijo, buscó hacer una película sobre los chicos de 20 años, de hace 15 años. Es decir, lejos de buscar el dogmatismo tan típico en los artistas de aquellos convulsos años, el director francés realizó una película tan anacrónica como el propio protagonista de toda la serie, y recibió críticas por ello, pues muchos de sus compañeros de generación no comprendían como no podía posicionarse en unos tiempos como aquellos. Ante estas críticas Truffaut se limitó a seguir haciendo cine, y a incluir homenajes más sutiles como la dedicatoria inicial a Henry Laglois, director de la Cinemateca que en aquellos momentos estaba siendo perseguido por el gobierno.
Truffaut amaba la nostalgia, e incluso en una comedía como en principio es Besos Robados, la alegría queda impregnada de melancolía. En esta nueva entrega nos encontramos a Doinel en un calabozo militar. Tiene 6 años más que cuando le dejamos con el corazón roto por Colette, y aunque ya es un hombre, vemos que no encaja en una milicia tan organizada y ordenada, por lo que será expulsado del ejercito. A partir de aquí comienza su liberación, y con ella el robo de besos. La película avanza con un tono casi improvisado, con personajes que parecen flotar alrededor de la cámara (aparecen y desaparecen sin las ataduras propias de una férrea narración). Todo encaja con el clima que Truffaut trata de insuflar a la película: un tono adolescente de inconsciencia, de besos furtivos, de vertiginosos amoríos... Un tiempo en que la vida parece ir por delante de nosotros mismos con un vigor incombustible, una energía que se alimenta de la calle y una naturalidad que se va perdiendo con los años. Tiempo habrá para la rutina, las desilusiones y las rupturas (como se verá en Domicilio conyugal, y Amor en fuga). Ahora es el momento de las ilusiones, las uniones y la incertidumbre, o lo que es lo mismo, la esperanza. En esta comedia de costumbre muy al estilo de René Clair o de Renoir, Truffaut no nos muestra el París de las postales, sino el de Doinel, que no es otro que el suyo propio. De esta forma vemos al protagonista dirigirse a un prostíbulo donde busca el calor de una mujer, mientras piensa en recuperar a Christine, la chica de la que cree estar enamorado. Pero, ¿puede Doinel enamorarse? Parece complicado pues para Doinel todo es volátil, todo es pasajero. Como los trabajos que va perdiendo uno tras otro: vigilante nocturno, detective privado, reparador de televisiones… Doinel no encaja en una existencia, la de los adultos, en la que no se termina de integrar, y será esta inadaptación la que le lleve al refugio de los besos. Besos que roba, o que compra, y que a su vez le son robados. El amor es beso robado, leve sensación pasajera, que incluso se enturbia cuando en medio de una de sus investigaciones como detective, llega a tener una relación con la señora Tabard, mujer casada, burguesa, y de edad madura, que le utiliza para su gozo. Y en medio de toda esta sociedad, que nos es otra cosa que una jauría humana obsesionada por el sexo, continúa Christine. La joven violinista que representa lo contrario. La pureza de una chica joven que quiere amar a Doinel, y ser amada de igual forma, pero que no termina de verlo claro. Se escabulle de él durante buena parte del film, pero cuando la vida les vuelve a juntar, captará su soledad y su inocencia, y esto será determinante para, a pesar de todo, terminar quedándose junto a él. De alguna forma acepta el reto de tratar de ayudarle, llegando en ocasiones a hacerlo como lo haría la buena madre, que ni Doinel, ni Truffaut tuvieron. Ahí esta la escena de las tostadas, símbolo de esa ayuda maternal, a su vez que símbolo del complemento que significa la pareja para soportar la dureza de la vida. Por el momento parece que Doinel no necesitará robar más besos. La cotidianeidad del amor ha entrado en sus vidas, y Doinel ha conseguido sus propios besos que anhelaba cuando escribía sus cartas desde el ejército. No sabemos si durará para siempre o se acabará mañana mismo, pero eso a Truffaut no le interesa. Es el instante de tránsito lo que nos quiere mostrar, el descubrimiento del amor como tal. Es por lo tanto Besos Robados una defensa de esa época de la vida en que se descubre el deseo de vivir porque se descubre el deseo de amar, y a su vez una crítica de esa otra época de la vida, (la que representarían el señor y la señora Tabard, los empleados de la agencia de detectives, el invertido que acude a la agencia, el Oficial del ejercito…es decir una edad adulta perteneciente a un mundo distinto al del protagonista) en la que las personas se estacionan en la perdida del deseo de vivir, pues ya no saben amar. Aquí se esconde un análisis de la sociedad francesa menos evidente, pero seguramente mucho más ácido que el que hacían muchos de sus “militantes” compañeros de generación. Y como punto culminante de dicho análisis, el adulto misterioso que persigue a Christine. ¿Representa al propio Truffaut nostálgico de ese amor a los 20 años? ¿Muestra la adultez insatisfecha? Dicho personaje está solo, y ni tiene, ni roba besos. Solo vaga, sin demasiada ilusión, suplicando besos en silencio…
Estamos ante la segunda entrega de Antoine Doinel, y junto a Los cuatrocientos golpes, las más autobiográficas de todo el ciclo. Este cortometraje pertenece a la película “El amor a los veinte años”, en la cual otros cuatro directores relatan historias de amor (Renzo Rossellini, Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls y Andrzej Wajda) Doinel tiene ahora 17 años y trabaja en un departamento de discos. Lo habíamos dejado frente al espacio abierto del mar en la imagen final de los cuatrocientos golpes y ahora le recobramos viviendo en un hotel de la plaza Clichy, y enamorado de Colette (Marie-France Pisier), una chica moderna a la que conoce en un concierto. Sin embargo, su falta de iniciativa, le impedirá conquistarla al tiempo que ella no le presta demasiada atención. De esta forma el amor, que solo era una insinuación en su anterior film, ahora se convierte en el eje temático que articula la historia. Se trata de un film melancólico, pero sin contrapuntos dramáticos, con un ajustado equilibrio. Un ejemplo de como aligera el relato, es el retrato que realiza de los padres de Colette, frente a la estructura familiar que mostraba en los cuatrocientos golpes. Antoine tratará de ganarse a los padres de Colette trasladándose a vivir enfrente de su apartamento, e intentado entablar una amistad. Sin embargo esto no conseguirá conquistar a la bella Colette, personaje que volverá a aparecer en las siguientes entregas de Doinel . El final del episodio nos presentará a Doinel viendo la televisión los padres de Colette resignado a su suerte. De esta forma se fraguan los rasgos más característicos de la personalidad de Antoine, como es la timidez en las relaciones, la falta de carácter, la utilización de cartas y citas de libros, canciones…, todo ello fruto de esa personalidad autodidácta que tanto le asemeja a su creador: François Truffaut.
